Projets de création

Dans Mister Monster, les acteurs seront sept sur scène, hommes et femmes, représentants possibles des convergences Cirque-Théâtre-Danse, chacun venant apporter l’originalité de sa propre démarche d’auteur.
Les propositions de scénographie, de lumière, de son et de dramaturgie intimement complices, participeront à construire une « fable théâtrale », physique et fantastique.

Dans un espace représentant une forêt à la fois sauvage et industrielle, les personnages seront volontairement et expressément physiques. A travers les élans, les chocs, les handicaps, les vitesses, les contacts, les ratés, les succès, les sensualités -et l’immobilité en contraste- le corps sera l’outil principal pour raconter.
Outre cette danse, c’est à travers l’acrobatie, les portées, les cascades, le main à main, la manipulation des corps et des objets et l’utilisation du décor comme un agrès que sera conféré un aspect irréel, surhumain, fantastique.

L’espace théâtral sera structuré en opposition. D’une part, l’immense forêt où les mêmes motifs se répètent à l’infini, mais où d’étranges rencontres restent possibles -animaux divers, êtres souterrains ou divins- et où certains lieux semblent un moment différer le sentiment d’abandon : la cabane de l’intimité et la clairière qui permet de voir les étoiles. De l’autre, le château/bureau de contrôle où s’élaborent guerres des palais et règles de pacification, où se discutent les actes de chacun et ou s’évalue le prix de chaque solidarité et de chaque trahison.

Mister Monster s’inspirera librement du conte médiéval Valentin et Orson, qui raconte les aventures parallèles et croisées de deux frères jumeaux, séparés dès leur naissance, l’un ayant grandi seul dans la forêt, l’autre à la cour du roi.
Les motifs qui constitueront notre première matière dramaturgique seront les suivants : la fuite dans l’immensité de la forêt, l’abandon, le rapt et la séparation, la vie sauvage dans les bois et les frontières poreuses avec les sociétés animales, la gémellité entre combat et fusion (désir de reconnaissance sociale et désir d’abandon aux pulsions), la normalisation du corps (avec toutes les profondes fixations sur la pilosité et son traitement, les comportements perçus comme animaux) et de l’âme (avec l’accession au langage), la progressive accession au pouvoir, la fuite de la civilisation.

C’est toute la force de l’histoire de Valentin et Ourson que de montrer les ambiguïtés de notre époque contemporaine, une mise en tension entre une vision mystique où « l’appel de la forêt » et la fascination pour les bêtes sauvages donne le vertige, et l’analyse toute rationaliste de l’enfant sauvage qui renvoie, elle, à la construction de l’humanisme des lumières.
C’est donc grâce à ce détour par la forêt médiévale que cette fable théâtrale nous permet d’interroger les failles de nos imaginaires contemporains.

Crédit photo : Yvett Rotscheid

Conception : Philippe Eustachon et Jambenoix Mollet
Mise en scène : Philippe Eustachon
Création sonore : Thomas Turine
Création Lumière : Anne Vaglio
Conseil dramaturgique : David Dumoulin
Spectacle en salle
Nombre d’artistes en scène : 7 : Pierre-Yves De Jonge, Olivier Goducheau, Cille Lansade, Chiharu Mamiya, Georges Matichard, Jambenoix Mollet, Jörg Müller.
Coût de production : 285 000 euros
Production : compagnie Anomalie
Partenaires actuels (en négociation) : Les Subsistances à Lyon - la Ferme du Buisson, scène nationale de Marne la Vallée – Théâtre d’Arles, scène conventionnée – Circuits, scène conventionnée à Auch
Calendrier de résidence : 3 semaines en 2009 et 10 semaines en 2010
Recherhe de partenariats et de résidence : 3 semaines en 2009 et 10 semaines en 2010.

Création : octobre 2010

Anomalie
21, rue Montgrand
13006 Marseille
06 81 60 63 62
anomali@wanadoo.fr
www.compagnie-anomalie.com

Qu’après en être revenu est une recherche sur la résistance du corps et son endurance.
Une interrogation sur la polarité, une réflexion autour de ce qu’on ne peut régir, de ce qui vous guide sans pouvoir être maîrisé.
La recherche est sous-tendue par la question de l’équilibre à chercher pour soi (qu’il soit physique, psychologique, émotionnel), vers une harmonie à trouver avec les autres.
La dramaturgie du spectacle se tisse à partir des récits de voyages et d’explorations des régions polaires.

« Petit à petit, goutte à goutte, grandit l’envie d’un spectacle où la seule différence serait d’avoir les pieds dans l’eau. Un quotidien qui tout à coup est autrement, de l’eau jusqu’aux chevilles tout simplement un bain de pieds et les portés « aquabatiques », et les gens qu’on mène en bateau ….et tout à coup c’est un autre rythme qui s’écoule, un autre temps. »

Deux artistes conduisent ce projet : Mathieu Levavasseur (porteur acrobatique, musicien) et William Valet (acrobate au mât chinois, musicien). Les disciplines : Mât chinois, porté acrobatique, musique et manipulation d’objet.

L’envie est de développer un univers poétique, musical et clownesque à partir de cette matière qu’est l’eau : travailler au-dessus, autour, dans et avec l’eau.
On dirait qu’on est un peu plus tard dans l’avenir…le niveau de l’eau a monté et les gens vivent les pieds dans l’eau….et alors, qu’est ce que cela change ? Qui s’adapte ?
Le cirque devient un objet de contorsion pour raconter la relation entre deux personnages :
l’un qui vit en haut, suspendu - qui veut pas se mouiller les pieds,
l’autre qui vit en bas - les pieds dans l’eau.
Acrobatie et portées « aquabatiques » rythment le spectacle.
Goutte à goutte, la musique vient nourrir cet univers aquatique.

Soutien en co-production :  Culture Commune, Scène nationale du bassin minier de Pas-de-Calais 
Pôle Cirque Jules Verne L’Usine, lieu conventionné dédié aux arts de la rue CCAS – Caisse Centrale d’Activité Sociale-Actions Culturelles

Soutien en résidence : Culture Commune, scène nationale du bassin minier / L’Usine, lieu conventionné dédié aux Arts de la rue / La Cascade, Maison des Arts du clown et du cirque / La Grainerie, lieu de fabrique / La Merise - Grenier à Sel / Théâtre de l’Olivier / L’Espace Culturel du Piémont d’Alaric / L’Espace Culturel des Corbières / FEP d’Alzonne / Arc-en-ciel, école de cirque de Chambéry

Deux personnages de papier donnent à voir ce qu’ils ressentent à se mouvoir dans un monde où leur fantaisie est subtilement bridée. Des tensions apparaissent. Ils vivent, ils jouent.
Tranches de vie–origami qui trouvent leur point culminant dans une fête foraine où se côtoient l’absurde et le brouillage des repères. Alors, les masques tombent. La métamorphose s’opère. Les personnages traversent une mise à nu dans la rencontre avec eux-mêmes, le contact avec la nature, leur animalité, l’expérience de la mort. Chacun peut finalement trouver une porte vers le mystérieux, redonner à la vie sa dimension merveilleuse.

Out of lines… est un essai, une recherche qui réunit deux jongleurs/danseurs autour d’un travail sur un sujet précis. Pour une première étape de travail, la compagnie a choisi un cadre de recherche simple, pur et à la fois très vaste. Il se résume en deux propriétés contrastées, deux éléments en opposition par nature : Le DUR et le MOU.
Le DUR, c’est la stabilité, la rigidité, les lignes, le stricte, l’ordonné. C’est l’extérieur dur qui protège le mou vulnérable de l’intérieur. Le MOU amène les courbes, la déformation, la fluidité et la souplesse. Mais aussi l’aléatoire, l’incertain et l’imprévisible. Ce travail guidera la recherche sur l’objet, sur le corporel, l’espace et sur la présence de l’acteur au plateau.

Un jardin public, un kiosque à musique et un gardien boiteux qui accueille les spectateurs pour un concert qui va commencer. Au programme : un duo de musiciens. Ce qu’il ne sait pas, c’est qu’il va devoir monter sur scène afin d’aider ces musiciens.
Avec Le kiosque à Mézigue la compagnie aborde le thème des fanfares municipales, des bals populaires, du carrousel d’objets et de mannequins rappelant la fête foraine.
Cirque et musique vivante et prendront place sous un kiosque (6m de Diamètre, 5.5m de hauteur) élaboré pour le spectacle.

Nous aimerions créer un monde imaginaire sous forme de huis clos. Nous voulons créer un conte moderne circassien mais aussi théâtral. À travers des personnages sincères et sensibles nous voulons jouer avec des situations quotidiennes bancales. Incarner des personnages tragi-comiques réels, fantastiques ou étranges. Une sorte de théâtre des relations humaines, réveillant le monstre ou l’ange qui sommeille en chacun de nous. Les techniques utilisées seront le fil de fer, le porté acrobatique, manipulation d’objets et trapèze fixe.

Comme une empreinte de pas mouillée sur le sol qui disparaît petit à petit.
Comme un souvenir qu’on avait oublié…
Un homme glisse dans le paysage urbain au milieu du tumulte de la vie.
Il est vêtu d’un costume gris, banalité contemporaine.
Son corps est peint en blanc. Tête et mains. A la manière des danseurs de Bûto japonais.
Il poursuit sa route vers le flou de l’inconnu.
La ville est son terrain de jeu.
Il est une ombre qu’on ne voit pas tout de suite. Mais quand l’œil l’aperçoit, il s’y accroche et le suit.
Son mouvement est agréablement désordonné, tantôt en l’air, sautillant et léger, tantôt au sol, roulant et ondulant.
Il est comme une cellule. Il évolue seul mais a besoin de la présence des autres à ses côtés.
Pour le passant il est une curiosité, on ne détourne pas la tête, on se demande qui il est, mais à peine s’est-on interrogé qu’il a disparu. Apparu pour d’autres.
Il n’est ni une présence amicale ni inamicale. Il est là, tourbillon de vie et puis plus rien.
On peut le suivre, voir comment il évolue.
On peut le revoir, ailleurs mais toujours présence fugace et muette.
Et pour accompagner ce cheminement discret, une musique étrange, furtive et fuyante, d’un autre temps, minimale et entêtante.
Née d’une drôle de machine hors d’âge. Un chariot de bric et de broc qui grince, percute, stridule, siffle ou tambourine, de manière ordonnée et entraînante. Du bringuebalant naît la mélodie.
 Elle est là, vous recouvre en entier et disparaît, vous laissant nu avec une drôle d’impression de vide et de manque.
La machine domine le danseur. Elle le dirige et le contrôle.
Elle le met en mouvement, comme un automate qu’on vient de remonter.
Quand il s’arrête, la vie reprend ses droits. Le gris, la fatigue, les drames du quotidien.
Un coup de pique et plusieurs tours de manivelle plus tard, la poésie de l’oubli se remet en marche.
L’illusion du rêve et de l’espoir réapparaît.
On oublie le passé, on vit au temps présent.
On donne de l’agréable pour oublier le désagréable.

Peu habituée à sortir de son nid une famille décalée et sans complexe se met sur son trente et un pour faire en sorte que leur sortie " à la ville" ne soit pas ratée.
Mais chassez le naturel, il revient a galop, et les pérégrinations de cette petite tribu au cours de sa promenade vont vite lui donner un prétexte pour semer la zizanie partout où elle passe.

Toujours plus haut, plus loin, plus fort. Se surpasser.
Se surpasser et dépasser ses limites.
Vouloir ce que l’on n’a pas et avoir peur de perdre ce que l’on possède.
Écraser / bousculer / faire tomber / compétition.
Entre envol et chute, une jeunesse est parachutée dans une société qu’elle doit appréhender. Face à la marée humaine, la quête de soi et le dépassement se révèlent être une issue face à un probable enfermement sociétal.
Pour conjurer l’ineffable : le corps ; mettre son corps en jeu(x), le défier, se l’accaparer, jusqu’à l’épuisement. La danse et le main à main pour faire front devant les carcans qui nous oppressent. Le corps comme moteur et outil d’évasion face aux limites imposées par la société. La mise en évidence de ces limites est identifiée par un portique, véritable porte d’entrée ou de sortie à nos propres espaces d’enfermement. À la recherche du toujours plus, la chute pourrait se révéler être la métaphore d’un ascenseur social introuvable.
Les techniques circassiennes seront autant de symboles dramaturgiques qui serviront un propos ancré dans le monde d’aujourd’hui où le sens et la poésie se côtoient. Le ballant : symbole de liaison entre l’ascension et la chute, outil pour exorciser ses peurs par l’expérience du vertige. La roue Cyr se transformera en pendule, toute puissance de Cronos, qui fait souffrir l’homme de sa triste impuissance. D’où ce désir, sans doute l’un des plus anciens de l’homme, de trouver un être ou une chose qui échappent au temps, sur lesquels le temps butterait, ne pouvant les altérer ; de trouver dans l’autre un être qui resterait le même à travers le temps.

Un duo. Des couteaux.
Un chien avec des ailes d’ange.
Un mur. Un canapé.
Un homme et une femme.
On se rencontre, on s’attache et tout démarre. Pieds et poings liés peut-on s’en sortir ? Qu’est-ce qui nous fait mal chez l’autre ? Qu’est-ce qui fait qu’on a envie de le tuer ? Être deux sur scène, voir trois si on compte les anges, et montrer avec humour la violence de l’amour. Qu’est-on prêts à faire pour et contre l’autre, jusqu’où peuvent emmener la dépendance, la croyance, et autres excès pour l’autre. L’amour comme un jeu mais un jeu qui peut, vite, mal tourner.

René Char

Il y a deux clochards, Rita Hayworth, un cabaret pourri avec un pianiste et une vieille star lamentable, un allumeur de réverbères, le Loup de Tex Avery, une passante. Tous ces personnages font partie d’une même histoire. Celle du délire traumatique d’un homme étendu inconscient sur le trottoir, révélée par la rencontre avec une femme qui lui répète, en essuyant le filet de sang :« Vous entendez ma voix ? Vous entendez ma voix ? ».
Les recherches de la Compagnie Barnabarn s’organisent autour de différents axes. La compagnie allie dans ce spectacle un travail sur des techniques visuelles du cinéma (plans séquences..etc) adaptées à la scène, sur les mouvements du cartoon développés grâce à l’acrobatie, ainsi que sur deux disciplines circassiennes : la corde lisse et le mât chinois, que nous employons au service du récit.

Traditionnellement, le clown était celui qui faisait le lien entre les dieux de la piste, les trapézistes, les jongleurs, les acrobates, et les hommes "normaux" de la rue. Tel un ange déchu, il entrait en empathie avec le public et donnait à la représentation une dimension universelle.
En se prenant les pieds dans le tapis, il en disait long sur la condition humaine.
Aujourd’hui la poétique du clown est toujours celle de la fêlure et de la fragilité. Mais il peut exercer son art au delà de la piste, et faire le lien entre la rue et un lieu de représentation (théâtre, ballet théâtre, opéra, etc.)
Après juillet 2001 et avril 2004, la cie Flex, met en place de nouveaux Chantiers Clowns, qui ont pour but de se faire rencontrer des clowns professionnels et d’interroger leurs arts en cassant leurs habitudes, grâce à des improvisations collectives. Des trios clownesques investiront un lieu culturel dans un premier temps puis des lieux plus improbables.

Ce nouveau spectacle viendra s’inscrire dans la continuité du travail de recherche entamé au cours des précédentes formes (C’est pas mort, ça bouge pas - 2006 et On the Edge – 2007). Notre langage, corporel, vocal et musical est amené à y être étendu à d’autres champs d’exploration, tels le dessin et la photographie.
Nous cherchons à monter une forme qui brouille les codes de la représentation entre cirque et musique. Forme hybride, cette prochaine création associera Julien et Jur, danseurs, et Nicolas Arnould, compositeur et guitariste. Un travail d’écriture est en cours, mêlant textes, musiques acoustiques (guitare, piano, contrebasse, harmonica, voix) et instruments numériques. Jur poursuit son travail vocal, dans les diverses directions explorées jusqu’alors : recherche de la performance vocale, travail sur l’obstacle, travail sur le lyrisme.
Parallèlement à ce travail musical, le corps est un moyen d’expression essentiel. Danse et acrobaties restent des champs d’expérimentation inépuisables. Nous travaillons sur la contrainte, le corps obstacle, la déformation du corps et de la matière.

L’idée de départ est de se lancer dans une nouvelle création circassienne dans la continuité du travail de clown engagé dans les spectacles précédents. L’intention artistique encore floue est tournée sur la thématique de l’illusion qui a mis en exergue la nécessité d’arpenter le champ de la « magie nouvelle ».
Peut-on dire d’un objet qu’il est réel de part sa simple matérialité ? Les choses réelles sont-elles vraies ? Un objet est-il défini par sa fonction, par ce pourquoi il a été créé ? Si on détourne la fonction d’un objet, qu’est-ce qui devient vrai et qu’est-ce qui devient faux ?
L’unique personnage, mis dans le contexte de son intérieur se confronte à ces interrogations par le biais d’objets qui lui sont proches. Il dévoile un bout de son intimité : intérieur matériel, sa maison et intérieur immatériel, son imaginaire. Un chez lui bricolé : son espace de vie et son espace mental. Manipulateur d’objets et de mots, il tente de rendre la réalité élastique, de subvertir l’objet et la forme.

Deux femmes seules à deux. Elles s’escaladent. Pour essayer de s’envoler toujours plus haut. Elles passent du « coq à l’âne », si rapidement que l’inconstance humaine le permet. L’inconstance permanente qui fait que la vie est une surprise. Simplement être présent sans y penser jusqu’à s’en surprendre soi même, jusqu’à se prendre pour l’autre et se transformer « en monstre ».
Elles se permettent la métamorphose, la recherche d’un autre moi, pour mieux comprendre et utiliser les possibilités de leur corps. Leur corps restreint, cantonné, habitué à seulement paraître et sembler.
S’amuser à s’égarer pour mieux être.

Symphonie pour six boîtes, cubes identiques d’un mètre de côté, aux faces colorées.
Des boîtes, cadeaux offerts au public, desquelles surgiront des artistes.
Six artistes de cirque à la personnalité marquée, comme sortis d’un film de Tim Burton. Ils joueront chacun de leur discipline pour toucher le public au plus profond de sa sensibilité.
Box se déclinera sous trois formes différentes : Petites histoires de cube, une balade de cube en cube pour l’espace public. Petites formes autour d’un cube pour l’espace public. Un artiste et un univers sonore spécifique à chaque cube (six cubes au total).
Dancing color box, spectacle de cirque pour le plein air, en fixe pour cinq artistes de cirque et un musicien et Play Box, spectacle de cirque pour la salle et le chapiteau, pour cinq artistes de cirque et un musicien.

Entre cirque, théâtre, danse, musique et cinéma, Nour est un spectacle racontant les bouleversements d’une famille de migrants marocains. Histoire psychologique de transmission contrariée entre les générations, Nour est le récit biographique de la fille Driss : un drame où sont questionnés les transmissions, les attachements et les appartenances de La Personne… vers un spectacle anthropologique s’adressant aux intimités de chaque membre du public, dans un contexte narratif lyrique, émouvant et parfois violent.

Ce spectacle traite le sujet de la solitude. Une solitude qui nait des languages corporelles très different et des objects qui perdent leur fonctions habituelles.
La compagnie allemande de nouveau cirque, danse et theatre HeadFeedHands, lance sa troisième productions après les pièces One Room Ticket et Fischen Ohne Helm.

Pièce pour six personnes soit 12 pieds, orientée pour le public jeune et dont le coeur sera constitué d’un cirque flirtant avec la danse. Nous travaillerons d’après le Sacre du Printemps, une trame qui permet d’aborder par le cirque des notions extrêmement actuelles (naviguant de la dissolution de l’individu dans une masse naïvement joyeuse à la mise au ban volontaire ou subie d’un sacrifié / bouc-émissaire / super héros). La musique sera aussi réécrite avec cette liberté et ces contraintes.

Publiée en 1970, Body, « pièce pour un personnage, Zizi, et une poupée gonflable », de Serge Rezvani, est aujourd’hui remontée par la compagnie La Scabreuse, avec dans le rôle unique et féminin, Tom Neal, acrobate et comédien. C’est dire le décalage, scabreux justement, et cher à la compagnie, que la mise en scène de Jean-Michel Guy compte provoquer dans ce qu’il faudra bien nommer une "pièce de cirque" : mât chinois, cercle, acrobatie. Body porte fortement l’empreinte du temps où elle fut écrite, mais les thèmes restent amplement d’actualité : le goût du pouvoir et le capitalisme sauvage font très mauvais ménage avec l’amour, qui dégradent la sexualité en consommation et le sentiment en intérêt. Body est une pièce courte, vive, rapide et qui fleure le loufoque. Plus exactement, elle tourne allégrement en dérision une situation pathétique : une femme d’affaires (Zizi), moderne et « libérée », riche et dominatrice, mais désespérément seule, cherche jouissance et consolation dans les bras d’une poupée gonflable aux mille possibles visages (Body), dans l’alcool et, finalement, dans le vertige de la spéculation boursière.

LARD est une farce, une pièce de cirque, de danse, de théâtre et de bizarreries sur l’homme.
Ici, il est question de cochon : le groin, la gloutonnerie, la sensualité.
L’univers qui en découle est absurde et loufoque, fantastique et baroque, drôle et troublant, d’une inquiétante étrangeté et cependant familier, aussi simple qu’une jonglerie ou qu’une danse.
Homme ou cochon ? Tellurique ou céleste ?
Beau ou pas beau ?
Mais la question centrale est : qui va manger le saucisson ?
Dans LARD, il y aura : de la corde et des massues, de l’argile et de la chantilly, du velours, une paire de hauts talons
pailletés et un énorme couteau de boucher ...

Ténia est un spectacle sur le rapport au corps. Et plus particulièrement dans l’intimité. Rapport au corps dans la relation à un proche, dans la relation à soi, dans la relation au monde.
Ténia, quel corps étranger dans son propre corps ? Quelles traces ? Le violoncelle peut-il devenir un ténia ?
Une femme, un être avec un violoncelle. La relation que cette femme noue et engage avec son instrument met en jeu tout un imaginaire de rapport à l’autre. Elle est tantôt dominante, tantôt objet. Tantôt violente, tantôt victime. Il s’agit d’explorer le violoncelle dans toutes ses possibilités. Musicalement, mais aussi visuellement et acrobatiquement. Briser les conventions et déconstruire le rapport à cet objet. Questionner le rapport musique/scènes/action, vers une certaine violence, hypothèse de travail...

Naître ou ne pas naître est la question que le Petit Esprit Vivant se pose tandis qu’il s’installe dans l’appartement de sa propriétaire et apprend le rude métier de la « corporalisation » pour devenir in fine un être humain.
Pev peut cependant retourner à chaque instant dans l’Infini – au « Centre », là où il a tout appris- s’il estime que sa future situation n’est pas à la hauteur de ses ambitions.
Depuis son appartement il voit tout, entend tout du monde des humains. Il analyse, décrypte les comportements de ses éventuels futurs parents et de leurs acolytes. Sur scène deux mondes se juxtaposent : l’Infini d’où vient Pev et notre réalité qu’il observe.
Pev est incarné par une cordiste, ses « propriétaires » par un couple de main à main ; un musicien joue en live la musique de l’Infini et un technicien contribue à en donner une conception visuelle. Les comédiens tournent sur une galerie de portrait incarnant vivants ou esprits, et réalisent un travail chorégraphique complémentaire.

Deux personnages à la silhouette singulière se retrouvent sur le même territoire scénique.
Par des jeux de séductions et de répulsions, ils se testent l’un l’autre, laissant transparaître une parade nuptiale bien établie. Leur langage est physique, impulsif, entre animalité et humanité.
Objets essentiels de leur relation, les massues sont leur moyen de communication. Récepteurs sensoriels, objets de manipulation au sens large ou objets pragmatiques, leurs rôles varient au gré des situations. De par leur utilisation détournée, les massues ne sont plus essentiellement l’objet du jongleur et peuvent alors jouer un rôle central dans le duo.

Auteurs : Cécile Fradet et Charles Rousseau
Spectacle en salle ou sous chapiteau
Durée : 20 min
Jauge : 500
Nombre d’artistes en scène : 2
Partenaires actuels : Turbul’ fabrique circassienne, Nîmes (30), la Fabrik à Saint Denis de la Réunion (974), Le Lido et La Grainerie à Toulouse (31)
Résidence : Octobre novembre et décembre 2009 : Turbul’, mars et avril 2010 : La Fabrik, à partir de mai 2010 : La Grainerie, à définir

Recherche de partenariats et de résidences

Création : deuxième semestre 2010

Collectif La Basse Cour , Cie Le Biphasé
Tél. (33) 06 82 81 99 48
lebiphase@gmail.com

Après un an et demi d’errance à travers l’Europe, la Russie, et la Mongolie, les Frères Kazamaroffs reviennent avec des histoires de rencontres. Pas de quartier parle des autres, de ceux que l’on ne veut pas voir, que l’on croise pourtant au coin de sa rue, attendant le feu rouge avec patience ou assis aux abords des autoroutes. On détourne son regard pour éviter le leur, on se demande comment ils font pour vivre dans de telles conditions…
Trois personnages nous proposent leur magie, leurs rêves, leur évasion et nous déballent des objets : rien de bien précieux pour cette société de consommation…une balle de tennis, des casseroles, des tuyaux en plastique, et ils se refont pour eux-mêmes et pour la millième fois leur numéro de cabaret… L’équilibre est précaire comme la situation, ils connaissent les limites de chacun, ils en jouent et se moquent gentiment de l’autre, mais à aucun moment ils n’oublient que sans l’autre ils ne sont plus rien.
Après avoir abordé les sans papiers avec Le Cirque Clandestin, le mélange des cultures dans Faux Rebonds ou le nomadisme dans La Caravane Suspendue, Pas de Quartier relate un autre fait de société, le nomadisme urbain vu par la Compagnie des Frères Kazamaroffs.

Cette pièce est de cirque (acrobatie au sol et au mât chinois, trampoline), de danse, de manipulation d’objets, de vidéo. Il s’agit ici d’expérimenter le double mât, variation au mât chinois dont Joao Paulo P. Dos Santos est un virtuose maintenant reconnu.
Dans ce spectacle, variation autour de deux mâts chinois, il déconstruit le rapport à l’espace, pour faire exister le vertical au même titre que l’horizontal. Manière de brouiller les frontières par une individualité singulière.
Spectacle visuel basé sur une écriture émouvante, touchante. Travail sur l’instant, sur la chute et la peur du spectateur face à cette chute possible.

Guosline et Gorska sont très fières de vous présenter leur spectacle. Ces deux personnages débarquent, comme chez eux, avec leur univers de poubelles. A leur manière un peu décalée, ils réalisent leurs exploits : magie à 50 centimes, surprises acrobatiques et dressage d’animaux improbables.
Attention ! Ils sont susceptibles et hargneux mais ils aiment être admirés.
Un univers poético-décalo-burlesco-comico-cradosombrique mélangeant les disciplines décircassiennes suivantes :
L’acrodanquilibrisme, le catapoubellage, la mariodinette, le poubellage rebond, le dressage de veste, le tabouret Washington … mais aussi : la poésie flottante, les portés paralympiques et le jeu d’acteur (école obsolinsky).

Il n’y a pas de personnages dans le spectacle mais des entités. Elles sont tournantes, la femme par exemple est symbolisée par une robe et une perruque, en les passant chacun incarne sa propre féminité. De même l’entité de focus est symbolisée par un espace, à chaque changement de scène les protagonistes se relaient et incarnent la même entité sans tenir à des codes de langues, de costume ou d’attitude. Le travail se fera sur des mots comme la dérision, la violence domestique, le nunjitsu, la Corée du sud et le manque de compréhension…
Ces appuis nous conduisent à utiliser notre vocabulaire circassien dans une écriture d’intention, sans brider nos envies personnelles, en travaillant sur l’improvisation pour tirer l’essence de nos rencontres, sans tuer nos individualités dans le travail collectif, sans le carcan de faire vite ou pour plaire. Venant tous les cinq d’origines différentes, on se nourrit les uns des autres pour rendre possible / impossible des langages corporels, théâtraux, musicaux..

Un bus, chargé d’obscurs paquets, malles et valises, se meurt.
Les passagers tentent d’ultimes réparations.
Mais entre les éructations poussives d’un moteur qui n’en peut plus, entre les sons braillards de l’auto-radio et les cris tapageurs des trafiquants, les colis entrent en ébullition, les caisses s’insurgent, les ballots grognent… et ce sont des centaines de bestioles promises à un ailleurs improbable, qui tentent l’aventure de la fuite.
Scorpions, termites, varans, tortues géantes, youyous, hyènes, flamants roses, vautours et autres prédateurs vont mettre une pagaïe noire sur l’espace public !
Ce spectacle, qui prolongera la longue et extraordinaire aventure du Bestiaire forain trouvera ses racines, ses inspirations, ses matériaux à Saint-Louis du Sénégal, où La Licorne travaillera avec des plasticiens africains.
Si dans le Bestiaire forain, les animaux étaient domptés par nos intrépides vieillards, il s’agira dans le Bestiaire africain, d’une révolte animalière.

Combinant cirque, jeu théâtral, musique, imagerie visuelle, et projections de dessins non-statiques, Tombée : Fallen raconte une histoire de résilience humaine, d’identité, et de déplacement. C’est l’histoire d’une femme qui quitte une ville, sans nom, pour un long voyage. Un voyage au cours duquel elle perd mari et enfant. Elle va trouver refuge dans un nouveau pays. L’isolement, la confrontation à une culture différente, tous les sentiments seront explorés en utilisant différentes disciplines de cirque.

Le rire peut-il devenir une émotion en voie de disparition ? C’est la question que la compagnie s’est posée. Pour y répondre : une piste, un gradin, un cercle donc, et huit artistes polyvalents qui mettent tous leurs outils aux services d’un public pour le divertir... divertir au sens politique du terme : détourner, créer une diversion, décentrer, faire prendre du recul, dévier les trajectoire de pensées uniques et puis e rire encore , encore et encore.

L’idée est simple.
Une tête est posée sur un cube.
Un petit être placé là sur son trône.
Son corps, tout entier, est fait d’une boule, de deux yeux, deux oreilles, un nez et surtout une bouche.
Une bouche parfois grande ouverte par laquelle jailliront des sons, des mots, des phrases et à nouveau des sons, du souffle. Une tête fragile et démunie en apparence, un bébé-forain décidé à se montrer au public. Chose incroyable pour une fois : l’acteur est beaucoup plus petit que ses spectateurs (des enfants de 3 ans par exemple).
L’idée est la suivante : renverser l’échelle de grandeurs, inviter les enfants à venir regarder et écouter un être plus petit qu’eux. Comme lorsqu’ils se penchent au-dessus d’une cage de lapin nain ou de hamster. L’homme-tête est là, minuscule, il part de zéro ou presque et les mots vont jaillir de sa bouche, emplir l’espace, percuter le plafond des théâtres.
Tout est dans la tête, tout est hors de la tête .

Damien Bouvet

Une jeune fille israélienne se raconte. Comme elle est contorsionniste, elle ne parle pas souvent le corps à l’endroit. Le lieu est si petit que lorsqu’elle chuchote, on l’entend. Ça tombe bien, car il y a des choses qu’elle dit qui étranglent la voix. Tania, l’artiste qui va jouer ce spectacle, veut réinvoquer son enfance à Tel Aviv, soumise aux difficultés d’être une gamine, larvée dans un pays en guerre, où à l’école en 6ème, il y un cours pour reconnaître un kamikaze potentiel dans un autobus.

Rémy Balagué

Le Temps du spectacle est celui d’un repas, avec l’avant, le pendant et l’après.
Tout se déroule en fonction de l’avancée des préparatifs, de la cuisson, du temps que nous aimons prendre pour manger.
C’est un moyen de se mettre ensemble. De transformer le rôle du spectateur, être acteur de la soirée. C’est un endroit d’échanges et de discussions autour de nos pratiques respectives.
Créer une atmosphère, un climat d’excitation.
Et pourquoi pas un peu d’érotisme ?
Travailler l’érotisme de la cuisine, celui du cirque. Un artichaut qui se déshabille, servir la nourriture aux gens jusque dans leur bouche.
Avoir une réflexion sur notre quotidien.
Avoir une réflexion sur nos modes de vie, de consommation.
S’interroger sur la place de l’homme et de la femme à la cuisine.
A chaque table son plan, sa mini société, son chef (élu ou nommé).

Si le Premier Homme a existé, quel poids pesait sur ses épaules ? 
De quels opposés était-il fait ?
Dans une exploration verticale, Tetraktys est un duo, un conte acrobatique entre un acrobate/danseur et un musicien/slammeur dont les deux parcours vont s’imbriquer et se mêler.
Sur une structure aérienne unique, l’appel de l’altitude comme métaphore d’une obligatoire ambition : est-ce la seule évolution possible, en tant qu’espèce, en tant qu’homme ?
Dans un récit volontairement morcelé, privilégiant une poésie visuelle, textuelle, sonore, les
rythmiques du slam répondent aux trajectoires de l’acrobate : sauts et suspensions, tensions et relâchés, impacts...

Pièce pour deux jongleurs-danseurs et soixante mètres de cordes courte ou longue, dure ou molle…La corde est l’objet central dans Out of lines. Le spectacle propose d’explorer toutes formes de jonglage et manipulation, toutes déclinaisons graphique, poétique ou ludique de la corde. En jouant avec l’imagination du spectateur, Out of lines suggère des personnages-cordes, cherche à surprendre avec des formes inattendues et à créer l’illusion d’un univers où cordes dures et bâtons mous se confondent. Ce spectacle cherche à s’extraire de la jonglerie d’objets conventionnés et à explorer un langage de cordes au service d’une « jonglerie atypique »

Créer de l’extraordinaire à partir de l’ordinaire ! Voici le cirque de Circo Aereo. Les objets du quotidien sont détournés pour devenir les matières de numéros de cirqueS : le cirque d’objets est fait à partir d’ustensiles simples, pour que le spectacle étonne, amuse et questionne. Cirque d’Objets c’est Un Cirque Tout juste, Un Cirque Plus Juste et Un Cirque Juste Juste (2011) 
La trilogie se joue sous trois chapiteaux, trois univers intimistes liant le jonglage, la magie, la musique et l’humour finlandais. Le spectateur est emmené d’un chapiteau à l’autre pour découvrir à chaque fois un nouveau spectacle, de nouveaux objets fabriqués et manipulés par Jani Nuutinen.

Seule dans un univers de plus en plus bleu, une femme avance sur un chemin étroit et dur.
Elle est sur un fil. Elle oscille entre le monde du dedans et le monde du dehors, va et vient de son histoire intime à ses souvenirs, des images qui l’habitent aux visions qui la portent.
Bruits, guitare électrique, voix. Peinture, danse, rires, chutes. Une subjectivité qui se partage, comme une gourmandise.

"Cette nouvelle création commence là où la dernière variation finit : trois balles rivées vers le sol, lâchées dans la matrice. Ce spectacle débute dans le cosmos, une silhouette flotte parmis les astres. L’aléatoire du mouvement des balles qui roulent, m’autorise à parcourir l’espace librement, le jongleur est jonglé, le corps s’inscrit dans l’espace comme dans la chair du monde. La part invisible du jonglage reste logique, elle poursuit une démarche d’anthropologie du jongleur, plutôt jongler avec la vie." …

FC

Retrouvons donc Max et Maurice en Cupidon et assistants d’un Dieu de l’Amour.
Et si on parlait d’amour !.
Ah l’amour, toujours l’amour, sentiment universel qui traverse les frontières, les époques, qui rend aveugle.
Ne dit-on pas que le rire est le propre de l’homme, pour les besoins de la création, nous dirons que l’amour l’est aussi. C’est pourquoi, il était inéluctable que Max et Maurice rencontrent l’amour. Comment rester de marbre quand l’amour est là ? Le temps fait son travail de sape, Chronos contre Eros. Voilà un combat que Max et Maurice doivent mener.
Comment, d’une façon amusée, tendre et complice, parler d’amour sans être niais ?
Nous envisageons de travailler sur la sensualité de certains numéros, cette alchimie qui fait que le spectateur oublie la technique pour dire « ces deux là, ils sont beaux ! » Pourquoi ils sont beaux ? Parce qu’ils s’aiment.

Distribution : Emmanuel Gilleron, Antoine Deschamps, Cyriaque Bellot, Olivier Verzelen, Sandrine Colombet, Paula Paradiso, Stéphanie Bouchard, Rubèn Martin Urdiales.

L’Après-midi d’un foehn et VORTEX sont deux formes distinctes, des épopées gestuelles et visuelles de la transformation. Leur point de convergence : l’impossibilité d’échapper aux éléments et à leurs effets d’érosion physique et mentale.
L’Après-midi d’un foehn est une pièce gestuelle pour une femme marionnettiste, traitant du pouvoir de création de l’être humain tentant de contrôler les éléments et la folie meurtrière qui la guette dans la perte du pouvoir. Cette pièce destinée au jeune public est traitée sous la forme d’un conte visuel pour sacs plastique, manteaux, ciseaux, scotch, parapluie et accessoires divers.
VORTEX est une performance pour une femme en transition dans l’épreuve d’un courant d’air permanent. Soumise à la violence des éléments et des matières en suspens, elle dévoile les humeurs de son corps en érosion. Dans l’épreuve, la virtuosité est exposée aux frontières de l’abandon. Sur une piste de 4m50, s’accumulent les détails. Le partage de l’air en devient l’enjeu. Sous nos yeux un septième continent naît. L’étouffement guette et la survie est l’enjeu véritable.
Un vent peut-il nous conduire à la folie meurtrière ?

Cette pièce est de cirque (acrobatie au sol et au mât chinois, trampoline), de danse, de manipulation d’objets, de vidéo.
Il s’agit de surligner ce qui pourrait être anecdotique, de transmettre des émotions simples par le biais de technique virtuose. D’explorer les multiples possibilités de l’objet autant que l’espace de jeu et de mettre en avant le vertical autant que l’horizontal. L’auteur cherche à montrer les interactions possibles entre les personnes, mais également avec les agrès, interactions qui créent toutes sortes de situations sur le plateau, l’idée étant d’ouvrir son champ d’action à la notion de groupe. Les acrobates ne sont plus simplement des acrobates manipulant, interagissant avec les objets ; ils ont chacun un rôle, un trait de caractère bien précis lié aux différents évènements du spectacle.
Progression dans l’espace et progression dans les rôles de chacun, évoluant au fur et à mesure que l’on avance dans le spectacle.

MAL(E) est un spectacle qui parle du loup et de la forêt qui l’abrite, une réflexion sur la condition masculine en temps de guerre comme en temps de paix.
L’objectif est de questionner le mythe du mâle alpha et de mettre en lumière les systèmes
(sociaux, politiques,) qui conduisent à l’acceptation des valeurs et des contraintes qui en découlent. Ces notions définissent notre rapport à la virilité, à la sexualité, au pouvoir, aux autres… Elles sont la grammaire des rapports de force.
Au fur et à mesure du spectacle cinq acrobates devront déployer une organisation sociale et physique de plus en plus grotesque pour dépenser l’énergie crée par les frustrations et les règles que leur impose un homme politique chargé de leur éducation. Pas d’agrès, pas de fuite vers le haut, cinq corps qui se frottent en restant désespérément à la hauteur de leurs instincts. L’esthétique des boeufs.

Auteur : Antoine Raimondi
Mise en scène : Antoine Raimondi
Spectacle en intérieur
Durée : environ une heure
Nombre d’artistes en scène : 6

Acrobates : Pierre Glottin, Alexandre Denis, Milan Szypura, Distribution en cours…
Comédien : Marc Mérigot
Aide à la chorégraphie : Héloïse Desfarges
Spectacle en salle
Coût de production : 120 000 euros
Calendrier de résidences :
Du 4 au 9 janvier aux Subsistances à Lyon (69), du 10 au 17 janvier au studio de la Cie Propos – Denis Plassard, du 2 au 12 avril à l’Espace Périphérique de la Villette (75), du 26 avril au 9 mai à l’Hostellerie de Pontempeyrat (42).

Recherches de partenariats et de résidences à partir de septembre 2010

Création : Hiver 2011

Directeur artistique : Antoine Raimondi Chauvot
porté par Cie Cahin Caha
35 bis rue de la bibliothèque
13001 Marseille
Tel : 06 63 87 25 48

Chargée de production : Mélanie Vadet
Tél : 06 63 11 87 87
projetmale@gmail.com

Mais où va t-on chercher tout ça ?
Qu’est ce que c’est pour vous, le cirque aujourd’hui ? Vos expériences de spectateur ?
Vos souvenirs du passage des cirques sous chapiteaux sous vos fenêtres, quelles images en avez vous ? Questionner, recueillir les souvenirs, les témoignages des anciens comme des jeunes conviés à nous faire partager leurs expériences, leurs représentations, leurs sentiments, leurs émotions, face à ce cirque qui ne cesse d’évoluer. Cirque traditionnel, cirque contemporain, entre images d’Epinal et images modernes… C’est quoi ce cirque ?
Dans Mais où va t-on chercher tout ça ?, l’idée n’est pas tant d’identifier ou de comprendre ce qui a séparé cirque traditionnel et cirque contemporain, mais d’interroger la relation que l’artiste de cirque entretient aujourd’hui avec ce passé, ces origines... ?

Jauge : 200-300

Alaska est ce lieu « blanc » où tout est possible, une ouverture infinie aux rêves et autres souvenirs…
On vit dans un monde morcelé, en perte de sens où les gens ont plus que jamais besoin de repères forts, de mythes nouveaux, de rêves. L’ Alaska provoque cela en nous, personne ne connaît vraiment ce lieu mais il donne à rêver et dans le même temps il est occupé à disparaître avec la fonte des glaces. Ce lieu représente idéalement notre manque et le tragique qui nous habite.
En effet, étant dans l’impossibilité d’inventer des mythes ou des combats contemporains on tente de « maîtriser » ses rêves et ses désirs, mais rien de tout cela n’est vraiment domesticable. « Alaska » gardera son secret quoi qu’il arrive et dès lors l’homme préfère le détruire (pollution et réchauffement climatique) plutôt que d’accepter le vide. L’homme préfère tout détruire et créer ainsi son propre vide.
Le spectacle Alaska  sera comme une chronique du vide, quelque chose qu’on désire et qui nous échappe sans cesse, d’où notre besoin incessant de raconter des histoires, notre histoire afin de conjurer le vide de nos vies, de nous donner l’illusion d’exister et donc de retrouver la fonction du rituel qui donne sens à nos jours.